从十三岁初次接触海顿C大调大提琴协奏曲，到如今在国际舞台的再次演绎，大提琴家秦立巍始终在音乐中寻找“新的蓝色”。在他看来，音乐不只是技巧的展现，更是探索、冒险与不断重生的过程。点击 ▶ 收听完整采访。
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作为当代最具影响力的华裔大提琴家之一，秦立巍（Li-Wei Qin）活跃在国际舞台已有数十年。
近日，他携海顿C大调大提琴协奏曲重返墨尔本，与墨尔本室内乐团合作演出。
在接受SBS普通话专访谈及这首年少时期便开始练习的作品时，他坦言，失去探索与冒险精神的音乐家就像“一身班味的上班族”，而自己更希望跳出舒适区，在同一部作品中挖掘“新的语言、新的情感”。
“以前看到蓝色可能是海洋，现在看到蓝色可能是天空……每一个蓝色的感觉是不一样的。”
“老朋友海C”：从少年炫技到深情对话
秦立巍第一次学习海顿C大调大提琴协奏曲时，只有十三岁。
那时的他，更看重的是技巧的挑战和舞台上的表现力，特别是第三乐章的快速段落，是少年展示自我的方式。
然而，多年后再演绎这部作品，他的理解已经完全不同。
“可能现在我的速度比当年更慢，但我更在意的是音色和语气，希望观众能听到音乐的呼吸。”
在他看来，这部作品就像一位“老朋友”，每个阶段都会带来新的启示，“从七岁到七十岁，都能在其中找到属于自己的意义”。
他还提到，这部作品已经成为世界范围内大提琴学习的“必修课”之一。
“昨天我在墨尔本听到一位十四岁的学生演奏，在中国大陆甚至有九岁十岁的孩子已经开始拉这首曲子。”
对他来说，这正是海顿音乐的魅力所在：既适合早期学习，又足够深邃，让成熟演奏家不断回望。
而对于经典作品的频繁上演，秦立巍坦言，最大的挑战是避免失去新鲜感。
最怕的是演出变成惯性，像一份朝九晚五的工作。
因此，他不断寻找新的可能性——哪怕尝试未必成功，也要走出舒适区。
秦立巍将音乐演奏形容为在浅海行走，倘若一直“脚踏实地”，反而“拿走了音乐本文本身的魅力”。
“我们本来就是瞬间艺术，是在动态环境下创造艺术。我希望是走到脚碰不到地面、离开地面一点点，恰恰这个时候，是音乐创造最有魅力的时候，”他说。
室内乐：舞台上的默契与冒险
此次与墨尔本室内乐团的合作没有指挥，舞台上的互动更像是一场即时的对话，“少了一个参照，也多了一份自由”。
他说：“我个人觉得拉室内乐，运用的器官是不一样的。我们平时拉大协奏曲当然也要听，然而为了要把声音铺遍给整个大音乐厅，手指能力要求很高。”
“但是我们在拉室内乐的时候，耳朵更加重要。一个人的反应、敏锐度非常重要。”
秦立巍形容，与室内乐团的合作像跳探戈，每一个细微的动作都需要即时回应。
正是这种不确定性，让音乐保持了鲜活。
与老朋友们的再度合作，也让他倍感亲切，不仅是音乐上的交流，也是人与人之间的交流。
“在室内乐团里，大家像在独木桥上一同前行，每次演出都不可能完全相同。大家都敏锐又亲密地在这个对话般的环境中，共同为听众呈现音乐的魅力，”他表示。
艺术不是快餐：音乐需要时间与沉浸
秦立巍坦言，自己曾短暂离开音乐去读商科，但最终回归大提琴，并给自己设定了四年目标——练琴、比赛、寻找经纪公司。
“离开音乐反而让我意识到，这是我真正热爱的事业。”
在他看来，音乐属于艺术，而非快餐式的娱乐。
“娱乐是短暂的，比如刷手机视频只停留几秒钟；但艺术需要时间，需要沉浸。哪怕是一幅画，也可能需要你静静坐下十几分钟。这就是艺术和娱乐（的区别）。我觉得我们人生当中都需要艺术，也同时需要娱乐。”
他表示，自己的工作是创造艺术，而他认为音乐艺术“应该是引领，而不是迎合”。
“音乐有很多不同类型，古典音乐，它当然也有娱乐的一些因素在，但我觉得它确实是以艺术形态为主。这才是一个古典严肃音乐家应该追求的。”
而从观众的角度而言，秦立巍认为，有些观众欣赏音乐的角度过于务实，甚至有些功利。
他打趣说，有些学生家长带孩子去音乐会，只关心上半场的协奏曲，因为孩子正在学，至于下半场的贝多芬、布鲁克纳交响曲就不太在意了。
但在他看来，音乐不能只挑“有用”的部分。
他指出：“你得把整场音乐会都听进去，让自己完全沉浸其中。有时候，你可能觉得某些曲子跟你没关系，但正是在这些‘无关紧要’的地方，你可能会意外发现一块钻石。”
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